In Los Angeles kreuzen sich die Wege mehrerer Figuren aus der Unterwelt. Gangsterboss Marsellus Wallace schickt seine Auftragskiller Jules und Vincent auf eine gefährliche Mission. Außerdem beauftragt er Vincent, einen Abend mit seiner Frau Mia zu verbringen. Parallel dazu widersetzt sich der Boxer Butch einer Abmachung mit Marsellus und setzt damit eine Kette folgenschwerer Ereignisse in Gang. Ergänzt werden die Geschichten durch das Gangsterpärchen Pumpkin und Honey Bunny, deren Überfall auf ein Diner den Film sowohl eröffnet als auch abschließt.

„Pulp Fiction“ ist weit mehr als ein gewöhnlicher Gangsterfilm und schlug 1994 ein wie eine kleine Bombe. Quentin Tarantino erzählt mehrere miteinander verflochtene Geschichten in einer ungewöhnlichen, nichtlinearen Struktur, die den Film bis zum Ende spannend und abwechslungsreich macht. Die Mischung aus pointierten Dialogen, schwarzem Humor, skurrilen Figuren und überraschenden Wendungen verleiht ihm einen unverwechselbaren Stil und Kultstatus. Dazu kommt ein legendärer Soundtrack, angeführt vom Surf-Rock-Klassiker „Misirlou“ von Dick Dale & His Del-Tones, der die ikonische Eröffnungssequenz perfekt untermalt. Ebenso trägt der hervorragende Cast zum Erfolg des Films bei – darunter Samuel L. Jackson, Uma Thurman, Bruce Willis, Tim Roth, Amanda Plummer und John Travolta, der in der Rolle des Vincent Vega mit einer ebenso lässigen wie selbstironischen Performance gleichzeitig auch sein Comeback feierte.

Obwohl „Pulp Fiction“ mit einem vergleichsweise kleinen Budget produziert wurde, entwickelte sich der Film weltweit zu einem großen Kinoerfolg. Er machte Quentin Tarantino endgültig zum internationalen Star und beeinflusste zahlreiche spätere Filme. Bis heute gilt „Pulp Fiction“ als ikonischer Klassiker, der das Gangstergenre und das moderne Kino nachhaltig geprägt hat.
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(Textverantwortlich: KE)

Die Hauptfigur Thana (Zoë Lund) ist eine junge, stumme Näherin in New York. Sie wird innerhalb kurzer Zeit zweimal Opfer sexualisierter Gewalt. Danach nimmt sie eine Pistole und beginnt, Männer zu töten, die sie als Bedrohung wahrnimmt.

Abel Ferrara, Regisseur, Drehbuchautor und Produzent, gilt als einer der radikalsten Vertreter des amerikanischen Independent Kinos. New York wurde für ihn nicht nur zum Produktionsort, sondern zu einem wesentlichen Bestandteil seiner Filmsprache. Die Stadt erscheint bei Ferrara häufig düster, brutal und provokant. Themen wie Schuld, Religion, Sucht, Gewalt und Erlösung ziehen sich durch seine Filme, etwa in “The Addiction“, “Bad Lieutenant“, “Driller Killer“ oder eben “Ms. 45“. Letztgenannter gehört zum amerikanischen Exploitation- und Rachekino der frühen 1980er, geht aber deutlich über reine Genre-Unterhaltung hinaus. So verbindet der Film Elemente des Genres mit sozialkritischen und psychologischen Motiven. Im Zentrum stehen dabei Fragen nach weiblicher Ohnmacht, sexualisierter Gewalt, Selbstermächtigung und der zerstörerischen Wirkung von Gegengewalt.

Zoë Lund’s Rolle als Thana ist außergewöhnlich, weil sie den gesamten Film über nicht spricht und somit Trauma, Angst, Wut und ihre zunehmende Entschlossenheit wesentlich über Körper, Gesicht und Blick vermittelt werden. Sie ist zwar eine von einem männlichen Regisseur geschaffene Figur, wurde aber von einer sehr eigenständigen jungen Künstlerin verkörpert, die selbst später als Autorin arbeitete.

Die Wissenschaftlerin und Filmkritikerin Alexandra Heller-Nicholas weist darauf hin, dass, obwohl „Ms.45“ bei seinem Release durchaus umstritten war, der Film mittlerweile als bedeutender feministischer Kultfilm verstanden wird.

(Textverantwortlich: JU)

Der US-Soldat John Boyd (Guy Pearce) wird während des Mexikanisch-Amerikanischen Krieges 1846 in die Sierra Nevada strafversetzt. Die dortigen Soldaten finden einen halb erfrorenen Mann (Robert Carlyle), der sich Colqhoun nennt und ihnen von einem Horror-Trip erzählt: Seine Gruppe, die auf dem Weg gen Westküste war, verirrte sich und der bösartige Colonel Ives verfütterte, als die Lebensmittel knapp wurden, nach und nach die Mitreisenden, darunter auch Frauen und Kinder, an den Rest der Gruppe. Solch Barbarei können die wackeren amerikanischen Soldaten natürlich nicht auf sich sitzen lassen. Ab geht’s auf einen gefährlichen Treck in die Berge, um die möglichen Überlebenden zu retten – trotz der Warnungen von George, dem „Indian Scout“, vor dem Wendigo-Mythos. Dieser besagt, dass jede_r, der/die menschliches Fleisch konsumiert, die Stärke des Opfers in sich aufnimmt und fortan unersättlich danach wird. Auch Colqhoun benimmt sich immer verdächtiger und bald ist Boyd in einem gefährlichen Katz-und-Maus-Spiel gefangen.

„Ravenous“ ist ein kleines, kultiges Horror-Juwel. Mit einem bitterschwarzen Humor bearbeitet der Film ein doch sehr ernstes Thema. „Ravenous is a movie about America, and is there a better monster for the era of Manifest Destiny which saw white settlers murder, consume, and cannibalize the existing land for their own satisfaction?“, schreibt Ziah Grace im „Hyperreal Film Journal“. Pearce und Carlyle spielen wunderbar gegen- und miteinander und lassen so den homoerotischen Subtext schon fast Text werden. Mit dem FSK 18-Label des zeitweise indizierten Films gibt’s für Horror- und Practical Effects Fans natürlich einiges Grausiges zu sehen. Rache geht, wie die Liebe, eben durch den Magen.

(Textverantwortlich: LF)

Knabeninternat, Frankreich, Provinz: Alle hassen Schulleiter Michel – tyrannisch, sadistisch, geizig, ein Trinker und Frauenheld. Dabei hat er sich ins gemachte Nest gesetzt – Christina, Michels Frau, hatte die Schule mit in die Ehe gebracht. Tagtäglich wird die schüchterne, kränkliche Frau seither von ihm vor den Augen aller gedemütigt. Auch sein Verhältnis mit der toughen, attraktiven Lehrerin Nicole gehört dazu. Doch auch Nicole reicht’s irgendwann, und so überredet sie Christina, gemeinsam Rache zu nehmen…

„Besessen“ und „perfektionistisch“ nennt ihn das Ray Filmmagazin. Obsessionen waren auch ein wiederkehrendes Motiv im Werk Henri-Georges Clouzots. Er war einer der Paten des Film Noir, noch bevor dieser Begriff in den späten 1940ern von der französischen Filmkritik in Umlauf gebracht wurde. Höchst umstritten war der Umstand, dass Clouzots düstere Langfilmdebüts von 1942 und ′43 von den deutschen Besatzern produziert worden waren. Unbestritten bleibt der filmhistorische Rang und populärkulturelle Einfluss von Werken wie „Der Rabe“ (1943), „Lohn der Angst“ (1953) oder eben von „Die Teuflischen“ (1955), die obendrein mit einem Prototyp des tüddelig-ausgebufften Ermittlers à la Columbo aufwarten. Clouzot hatte schon in den 1940ern mit dem Schauspieler und überzeugten Kommunisten Yves Montand zusammengearbeitet, später auch mit Simone Signoret, dessen gleichgesinnter Frau. In „Die Teuflischen“ heckt sie als Nicole an der Seite von Clouzots Ehefrau Véra Schlimmes aus.

„Die Teuflischen“ war ein Publikumsschlager und wurde mit internationalen Preisen ausgezeichnet. 1996 gab’s ein weniger überzeugendes, wenn auch toll besetztes Remake mit Isabelle Adjani, Sharon Stone, Chazz Palminteri und Kathy Bates.

(Textverantwortlich: AR)